ジャズはバランスという概念と常に複雑な関係を持ってきました。ジョン・コルトレーンのサウンドシートやセシル・テイラーのパーカッシブなマキマリズムを生み出した伝統は、抑制をデフォルトの姿勢として推奨していません。しかし、抑制と静けさは別のものです。抑制とは、現れようとするものを抑えることです。静寂とは、出現すべきものが干渉されることなく聞こえる状態のことです。 2026 年 6 月 19 日にリリースされた、ミカ・トーマスの 5 枚目のアルバム『ルシッド』は、静けさの探究です。それは正確であるほど静かではなく、正確であるほど最小限ではない。
トーマスは 1997 年にオハイオ州コロンバスで生まれ、楽譜が読めるようになる前から耳でピアノを学びました。彼はジュリアード音楽院からジェローム・L・グリーン・フェローシップを取得し、2020年に同校で音楽修士号を取得し、以来、現代のニューヨーク・ジャズにおいて欠かせない存在の1人となった。イマヌエル・ウィルキンス・カルテットでの彼の長期在籍は、ライブ・パフォーマンスのリズム・セクションで誰が何をしているかに細心の注意を払うリスナーの間で彼の評判を確立しました。そこでの彼のソロは、聴衆を前のめりにするようなものであることがよくあります。記録上、リーダーとしての彼のこれまでの4枚のアルバムは、構造と即興演奏が遭遇したときに何が起こるかというピアニストの関心と並んで、作曲家の構造への関心を示している。
楽器としてのクインテット
Lucid は、共通の美学によってアルバムの野心を明確にしている特定のコラボレーターを集めています。イマヌエル・ウィルキンスはアルトサックスを演奏します。カリア・ヴァンデヴァーはトロンボーンを演奏します。トーマス・モーガンがベースを弾いています。レスリー・モクはドラムを演奏します。これらはランダムな選択ではありません。彼らは全員、ジャズ、室内楽、実験音楽が互いに混ざり合う空間で活動しており、どのレベルでも稀なグループ内での役割について洗練されたものをもたらしています。
トーマスが長年演奏してきた自身のカルテットを率いているウィルキンスは、自身のレコードにもたらしているのと同じ特質をこのセッションにももたらしている。それは、彼の他の文脈のマンネリズムを輸入するのではなく、プロジェクトの特定のロジックに完全に入り込もうとする意欲である。彼は、トーマスが確立したパラメーターの中に、自分のやることの比類のない品質を犠牲にすることなく没頭します。これは、ウィルキンスと同じくらい発達した自分の声を持つミュージシャンに尋ねる意味のあることであり、彼がその誘いを無条件に受け入れたという事実は、トーマスが構築した作曲の枠組みの質について何かを物語っています。
ヴァンデヴァーは、自身のリーダーとしての活動により、現在活動している最も特徴的なトロンボーン声の一人としての地位を確立しており、アルバムの結合組織として機能する丸みと温かさを提供しています。彼女は、従来のトロンボーン演奏ではめったに到達できないさまざまな音的アプローチを指揮しており、Lucid では、テクニック自体に注意を向けることなく、アルバムを支配するロジックに役立つ正確さでそれらを展開しています。
モーガンとモクはリズム・セクションを結成していますが、リズム・セクションとは名乗りません。その役割はエンジンよりも環境に近いものです。それらは、その上で調和的で旋律的な出来事が起こる空間を形成し、個々の瞬間を全体から切り離すことが困難になるような注意を払ってそれを行います。これはうまくやるのが最も難しい種類の演奏であり、前線に集中するリスナーには認識されない可能性が最も高い種類です。
オブジェクトとしてのフレーズ
トーマスは、フレーズの長さと知覚との関係の観点から、Lucid を推進する作曲哲学について語りました。彼は、特別な触感を持つ短いフレーズ、物理的なオブジェクトのようなフレーズ、即座に包括的な認識を持って心の目に留めることができるもの、と彼が表現するものを追求しています。これは、最初に思われるよりもさらに珍しい構成上の野心です。ジャズ作曲における支配的な伝統は、展開、つまり拡張、精緻化、変化する何かの始まりとしてのフレーズを重視します。トーマスは、完全なオブジェクトに近いもの、つまり独自の解決策を含むフレーズに興味を持っています。
10 曲のトラックは、さまざまな文脈とテクスチャーを通じてこの関心をたどります。 O はプロジェクトの意図を表明してアルバムを開き、個人の声が優位性を確立する前にクインテットのサウンドを確立します。このトラックは、すぐにもう一度再生したくなるような完成度を持って到着し、出発します。未解決だからではなく、それ自体が完全に存在しているため、追加の露出が自然な反応のように感じられます。
『フロンティア』は、よりオープンに探求的な領域に移行し、フレーズの長さが拡大したり縮小したりすることで、アルバムを支配するロジックがあらかじめ決められた結果ではなく発見のように感じられるようになっている。 「Box Heart」はレコードの中で最も圧縮された作品であり、その感情的な内容は短い時間の中に濃密です。タイトルは正確です。説明されている内容は、片手で持てるほど小さく、感じることができるほどの重さです。
「Holiday」は比較的開放的な瞬間を提供し、周囲の精密さから一時的に解放されるように感じることでその名がついたトラックです。夜と時空がアルバムの終楽章を占めており、トーマスがアンサンブルの個々の声が全体の枠組みの中で自分自身を主張する余地を与えたときに何が起こるかを示しています。これらは従来の意味でのソロではありません。それらは、アルバムを支配する感性の内側に留まりながら、作曲構造と即興の自由の間のバランスがわずかに即興に傾く瞬間です。
ジャズ ギャラリーとそれが表すもの
トーマスのキャリアは、部分的には、この種の仕事を育成する会場や組織との継続的な組織的関係を通じて発展してきました。ニューヨークのジャズ ギャラリーは、最初はパフォーマーとして、次に委託アーティストとして、彼の成長の中心となってきました。 2022年から2023年のジャズ・ギャラリー・コミッション・レジデンシーと2023年から2024年のルーレット・コミッションは、この音楽が必要とする発展途上のアーティストのビジョンへの持続的な投資を表していますが、組織的なサポートのレベルではめったに受けられません。
これらの関係は、Lucid が示す技術のレベルも説明します。支援してきた教育機関が要求する基準で何年も演奏してきたピアニストは、その準備が音楽に完全に組み込まれていない状態でレコーディング・セッションに臨むことはできない。 『Lucid』は、2026年にジャズのレコードを作ることが何を意味するのかを考え続けた結果のように聞こえる。伝統を参照してその存在を正当化しようとするレコードではなく、そこに何か具体的で追跡可能な何かを加えているレコードである。
DownBeat Magazine による 2024 年の未来を担う 25 人の 1 人としてのトーマスの指名と、同年の New York City Jazz Records からの Up-and-Comer of the Year の指名は、機関の注目が同業者および批判的な評価と一致していることを裏付けています。ニューヨーク・シティ・ジャズ・レコードも彼を最優秀インターナショナル・アーティスト・オブ・ザ・イヤーに指名した。これらは商業的な認知度を評価する賞ではありません。彼らは、この音楽を聴く人々の関心を、その音楽が要求する注意の程度で測ります。
バランスにかかる費用
アルバムのタイトルは野心的なものではありません。 「Lucid」は、トーマスが求めている感情的な状態を説明していません。音楽自体が達成する状態を表します。聴いていて、その苦労を感じさせません。あなたはその努力の結果を感じます。それは、優れた作曲がそれに身を委ねるリスナーの中に生み出す静けさです。
これはジャズのレコードでは珍しいことです。ジャズは、最も落ち着いたものであっても、それ自体が生み出したエネルギーを運ぶ傾向があります。つまり、何かがリアルタイムで交渉されている、その形式が開示されるのではなく発見されているという感覚です。明晰さは開示されていると感じます。リスニング体験の興奮を取り除くのではなく、別の品質を与える方法です。あなたは何かが解明されつつあるのを見ているのではありません。あなたは、解明され、現在利用可能な最も正確な形であなたに与えられている何かを見ています。
5枚のアルバムを経て、トーマスはその種の記録を作る権利を獲得した。前の 4 つは今回のために準備しました。 『Lucid』は、他のものと同様、ジャズにおいてもバランスが妥協の立場ではないというデモンストレーションとして登場します。それは到達するのが最も難しいものであり、一度到達すると明らかに最も価値のあるものです。
