デヴォン・ギルフィリアンがキャリア全体を費やして作り上げたアルバムは、事前に発表されることはなかった。彼はフィラデルフィアで育ちました。そこではソウル ミュージックはジャンルではなく市民の遺産であり、教会への出席やブロック パーティーを通じて吸収されるものであり、この街の音楽の伝統が常に技術より感情を重視してきた特別な方法でもあります。彼は 2013 年にナッシュビルに移りました。その 10 年前に、街で最も重要な部屋の 1 つである RCA スタジオ A で 3 枚目のアルバムが録音されました。その部屋から生まれたアルバム『Time Will Tell』は、6月26日にファンタジー・レコードからリリースされたが、自分の居場所を説明するのをやめ、そこに住み始めた人物の作品だ。
The Nashville Sound is a contested term in the history of American music.これは、1950 年代後半から 1960 年代にかけて、カントリー ミュージックを現代化する商業戦略として開発され、フィドルとスチール ギターをストリングスとボーカル コーラスに置き換えました。このおかげでナッシュビルは、ある種の光沢のあるアメリカのポピュラー音楽の首都となり、その後の世代のナッシュビルのアーティストがこのテンプレートを受け入れたり、それに対抗したりしてきました。 What Gilfillian does on "Time Will Tell" is something different from both.彼はスタジオの文化、アレンジメントへの配慮、サウンドへのこだわりを工芸品として捉え、そこにフィラデルフィア出身の感情的な語彙を詰め込んでいます。その結果生まれたのは、ジャンルのハイブリッドではなく、13 年間を 2 つの都市で吸収してきた 1 人のアーティストの特定の歴史に属するサウンドです。
レコードはタイトル曲「Time」で始まり、最後ではなく最初に置かれ、条件を明確に設定している。アルバムの構造は物語的というよりはテーマ的なもので、家族の死、重要な関係の終焉、そして喪失によって抽象化が容易になったときにどうやって現在に留まるかという問題をナビゲートしている。製作総指揮を務めたニール・H・ポーグは、アウトキャストやタイラー・ザ・クリエイターらと協力しており、彼らは伝統との関わりに根本的な再文脈化を伴うアーティストでした。ここでの彼の関与はそのような断絶を生み出すものではないが、アルバムが安易なノスタルジーに落ち着くのを防ぐようなアレンジメントを形作っている。
それが作られた部屋
RCA スタジオ A で録音するという決定は偶然ではありませんでした。この部屋には独自の音響特性があり、何十年にもわたってミュージシャンが演奏してきたことによる独特の暖かさと深みがあります。ギルフィリアンと彼の長年の共同制作者であるジョナサン・スマルトは、この作品で共同プロデュースとドラム演奏を担当したが、セッションでは、ポストプロダクションで空間を一掃するのではなく、その空間のライブの質を維持する選択をした。その結果、「Time Will Tell」は臨場感あふれるサウンドになりました。一緒に部屋にいて、リアルタイムでお互いに反応しているミュージシャンのサウンドは、制作上の影響としてではなく、アーティファクトよりもパフォーマンスを優先した録音アプローチの自然な結果として、全体を通して聞こえます。
このアルバムの感情的な内容が臨場感、特に悲しみや喪失があなたをどこか別の場所に引きずり込もうとしているときに、その場に留まり続けることの難しさをテーマにしているため、これは重要です。家族の死は、叙情的な説明によって発表されるのではなく、パフォーマンスの感情的な質感に埋め込まれた形で、いくつかのトラックに貫かれています。 「Moonflower」にはメロディーの軽さとは不釣り合いな重さがあり、それが実際の悲しみの仕組みです。 「Black Dog Rabbit Hole」は、そのタイトルが意味するものを和らげることなくアレンジメントが獲得した直接性で主題に名前を付けています。
フィラデルフィア・ソウル・ミーツ・ナッシュビル・ルーム
「Hold On (Hourglass)」はアルバムの中間点を最も明確に確立しています。そのスパゲッティ ウェスタン ギターと切迫したパーカッシブなテクスチャーは、アメリカ音楽史の非常に特殊な場所、映画のような南部サウンドと 1970 年代にフィラデルフィアから生まれた一種の切迫したソウル ミュージックの交差点から生まれました。このトラックは歴史的な参考文献とは思えません。それは、フィラデルフィア出身でナッシュビルで13年間を過ごし、どちらかに完全に属さず、両方の場所に属する音楽を作り続けたギルフィリアンの伝記の自然な帰結のように感じられる。
「IRL」は現代的なものとより直接的に関わっており、そのタイトルは、物事の表現方法と実際の状態との間のギャップへの関心を示しています。ギルフィリアンの声は、荒々しさよりもむしろ本物の表現から来る砂のような性質を持つ、暖かく荒々しい声であり、誇張することなくトラックの重みを担っています。その周りの演出も同様に抑制されていますが、感情的な素材が増幅をサポートする場合、これはより難しい選択です。
「Glad To Be Here」はレコードの中央近くに位置し、感情的な軸として機能します。それにもかかわらず、それがポジティブなものであることを認識することでポジティブさを獲得するようなトラックです。 「Shines In You」は、困難を乗り越えて獲得した優雅さへのアルバムの動きを引き継ぎ、継続します。これらは従来の意味での高揚感のある曲ではありません。これらは、不在のほうが楽なときに、存在することを選択することについての曲です。
13年かかったアルバム
「レッツ・ストップ・ファッキング・アラウンド」はここで最も予想外の瞬間であり、その直接性が音調の変化として機能するのは、アルバムがその直接性が何か特定のものを意味するのに十分な感情的文脈を確立しているためである。それは商業的な譲歩ではありません。これは、数曲にわたりテーマを慎重に検討し、最終的には明確なタイトルを付けることにしたアーティストからの正直な声明です。
「Keep On Movin'」と「Some Days」は、一貫した感情的知性によってアルバムの後半を展開します。特に「Some Days」は、演奏されたというよりも、小耳に挟んだような性質を持っており、ギルフィリアンは、演出上の工夫によってではなく、親密な語り口を通してその印象を生み出している。これらは、ラジオでヒットしたという意味では、目立ったトラックではありません。小説の特定の一節は引用できないが、構造的に必要であるという点で、それらはレコードの動きにとって不可欠なものである。
「You Can Hate Me Now」は、アルバムの中で最も負荷の高い瞬間の1つでメインシーケンスを閉じます。タイトルは同時に特定の文化的試金石を参照し、それを書き換え、反抗の主張であったものをより複雑なもの、つまり招待と承認を同時に表すものに変えています。続く「Time (Reprise)」は、結論とは言えない短い解決策です。アルバムはオープンで終わりますが、そこで終わる必要がありました。
ギルフィリアンが主張したのは、妥協なく作られたソウル・ミュージックとは何なのかについての議論である。マニフェストや挑発を必要とする類の議論ではない。維持するのに十分重要な素材に適用される誠実さと技術だけが必要なタイプです。 『Time Will Tell』はそのような議論であり、単に非常に優れたレコードでもあり、制作時に与えられたのと同じ深みで忍耐に報いる種類のものです。彼はこのアルバムを13年間準備してきました。準備は骨の髄まで入っています。努力は聞こえません。アーティストが最終的に目的地に到達したとき、音楽はどのように聞こえるべきなのか、努力の結果を聞くことができます。
