Graham Coxon findet eine verlorene Schallplatte und das Warten hat sich gelohnt
Im Jahr 2011 tat Graham Coxon das, was er oft tut: er machte selbst Musik, fernab der Komplexität einer der am meisten geprüften kreativen Partnerschaften in der britischen Rockgeschichte. Er war seit ihrer Gründung 1988 in London Gründungsmitglied von Blur, der Gitarrist der Band und eine wichtige kompositorische Stimme, und sein Ausstieg aus der Band im Jahr 2003 auf dem Höhepunkt ihrer Spannungen war ein Bruch der Art, über den beide Parteien jahrelang in sorgfältiger Sprache diskutierten. Im Jahr 2011 trafen sich Blur für Festivalauftritte wieder und die Beziehung hatte sich zu einer funktionierenden Form stabilisiert. Aber Coxon ging auch seinen eigenen Weg, die Solokarriere, die er seit 2000 aufgebaut hatte, mit Platten, die sich durch akustischen Folk, Krautrock-Einflüsse, Punk-Aggression und melodischen Pop bewegten, ohne sich dauerhaft in einem davon festzusetzen.
Die Sessions in diesem Jahr brachten genug Material für ein Album hervor. Coxon hatte es als Nachfolger seines achten Soloalbums „A+E“ gedacht, das 2012 erscheinen sollte. Aber Blur-Aktivitäten kamen dazwischen und dann andere Projekte, und das Album blieb im Tresor, während sich die Jahre anhäuften. Fünfzehn Jahre sind eine lange Zeit, bis ein Album wartet. „Castle Park“, das am 19. Juni über Transgressive Records veröffentlicht wurde, ist dieses Album. Nach anderthalb Jahrzehnten erscheint es nicht als historisches Dokument, sondern als echte zeitgenössische Veröffentlichung, und die Frage, die darüber schwebt, ist, ob die Musik diese Zeit überlebt hat und ob das, was 2011 als lohnenswert erschien, auch 2026 noch etwas zu sagen hat.
Die Antwort lautet „Ja“, und die Gründe dafür verraten Ihnen etwas Interessantes darüber, womit Coxon gearbeitet hat. Sein Solokatalog mit acht Schallplatten aus fast einem Vierteljahrhundert bildet ein bewusst unsystematisches Gesamtwerk. Es bewegt sich von der akustischen Intimität von The Sky Is Too High über die Punk-Direktheit von Happiness in Magazines bis zu den Krautrock-Erkundungen von The Spinning Top und A+E, ohne sich dauerhaft in einem von ihnen niederzulassen. Die durchgehende Linie ist kein konsistenter Stil, sondern eine konsequente Unruhe, die Bereitschaft, einen neuen Ansatz zu wählen und ihn bis an seine Grenzen zu verfolgen, bevor er ihn wieder aufgibt. Castle Park repräsentiert in diesem Katalog die von Kinks beeinflusste melodische Seite seiner Sensibilität, die in seinem Schreiben von Anfang an präsent war, für die es jedoch zuvor kein vollständiges Album gab.
Die Kinks im Raum
Castle Park ist ein Power-Pop-Album und steht damit in einer Tradition, die von den Kinks über Big Star und Matthew Sweet bis hin zu einem Dutzend anderer Künstler reicht, die verstanden haben, dass der dreiminütige, von der Gitarre getragene Song ein Behälter ist, der bei sorgfältiger Handhabung zu beträchtlicher Raffinesse fähig ist. Coxon hat seine Karriere damit verbracht, sich mit dieser Tradition auseinanderzusetzen, ohne sie immer in den Vordergrund zu stellen. Der Flaum und Lärm seiner raueren Soloplatten und der raueren Arbeit von Blur brachten diese Aufnahmen in einen Dialog mit Punk und Post-Punk. Castle Park lässt diesen Dialog beiseite. Auf der Platte geht es um Melodie und Arrangement und um den besonderen Genuss eines Songs, der ohne Umwege genau dorthin geht, wo er hin muss.
Billy Says und Alright, die beiden Singles, die vor dem Album veröffentlicht wurden, legen sofort die Bedingungen fest. Beide basieren auf Gitarren-Hooks, die sich auf die spezifische Art und Weise mühelos anfühlen, für deren Erzielung tatsächlich erhebliche Anstrengungen erforderlich sind. Der Kinks-Vergleich, zu dem die Rezensenten gegriffen haben, trifft zu: Ray Davies‘ Fähigkeit, Lieder über das gewöhnliche englische Leben zu schreiben, in denen es irgendwie auch um etwas viel Größeres ging, nämlich darum, das Universelle im Lokalen zu finden, ist es, was Coxon hier zum Ausdruck bringt. Hierbei handelt es sich um Musik über eine bestimmte Geographie, eine bestimmte Art von Englischerfahrung, wiedergegeben in Formen, für deren Verständnis keine Vertrautheit mit dieser Geographie erforderlich ist.
Dripping Soul, das eine Flamenco-beeinflusste Gitarrenlinie in den Mittelteil der Platte bringt, und das Orchester-Pop-Instrumental Melodie Pour Christine lassen auf einen Künstler schließen, der sich 2011 mit einem breiteren Spektrum an Einflüssen beschäftigte, als das fertige A+E-Album letztendlich vermitteln würde. Der Tresor enthielt das experimentellere Material, die Anweisungen, die Coxon vorlegte, ohne sicher zu sein, dass er sie als primäre Aussage dieser Zeit verfolgen wollte. Als separate Sammlung zeigen diese Lieder eine Bandbreite, die seine stilistisch kohärenteren Platten nicht immer gezeigt haben.
Die Colchester-Frage
Der Castle Park hat seinen Namen von einem Park in Colchester, der Stadt in Essex, in der Coxon aufgewachsen ist. Damon Albarn von Blur war ebenfalls ein Colchester-Produkt, und die Verbindung zwischen der Stadt und der Band war schon immer kompliziert: Blur wurde in ihrer öffentlichen Identität definitiv zu einer Londoner Band, und die Besonderheit ihrer vorstädtischen und ostanglischen Wurzeln wurde im breiteren Britpop-Narrativ oft abgeflacht. Coxons Solowerk war eher bereit, sich mit dieser Geografie auseinanderzusetzen. Castle Park kommt mit einer Deutlichkeit darauf zurück, die seine Aufzeichnungen zuvor noch nicht versucht haben.
Das ist keine Nostalgie im einfachen Sinne. Die Platte fordert den Zuhörer nicht dazu auf, an der Emotion teilzuhaben, die er mit sich bringt, wenn er sich an einen Ort aus seiner Kindheit erinnert. Es geht darum, diesen Ort als formalen Anker zu nutzen, um die Songs ehrlich darüber zu halten, woher sie kommen und woraus sie gemacht sind. Das Album wurde mit Ben Hillier produziert, der unter anderem mit Blur, Depeche Mode und Elbow zusammengearbeitet hat, und hat eine Wärme in seiner Produktion, die dieser Besonderheit gerecht wird. Hilliers Gespür dafür, Räume zu schaffen, die eher bewohnt als gestaltet wirken, ist in jedem Titel deutlich zu erkennen.
Die Last des Wartens
Fünfzehn Jahre sind lang genug, um die Bedeutung einer Reihe von Aufnahmen zu ändern, ohne die Aufnahmen selbst zu verändern. Wie Castle Park im Jahr 2026 klingt, ist nicht unbedingt das, wie es im Jahr 2013 geklungen hätte. Die Zwischenzeit umfasste Blurs Reunion-Album The Magic Whip, Coxons Soundtrack-Arbeit und den umfassenderen Wandel in der Rezeption von Britpop und seinem Erbe. Der Kontext, in dem Coxon nun als Solokünstler agiert, unterscheidet sich von dem Kontext, in dem diese Lieder entstanden sind.
Was die Pause überdauert, ist die Direktheit des Schreibens. Castle Park klingt nicht im abwertenden Sinne veraltet. Es klingt lokalisiert. Seine zeitliche Lage ist Teil seiner Textur. Es gibt eine besondere Qualität im Power-Pop, wenn er gut gemacht ist, von Songs, die scheinbar schon immer existiert haben und von denen man schon beim ersten Hören das Gefühl hat, sie schon einmal gehört zu haben. Diese Qualität erfordert eine gewisse technische Sicherheit, eine Beherrschung von Haken und Struktur, die Unvermeidlichkeit hervorbringt. Coxon erreicht dies auf dem Großteil des Albums, und die Titel, die dies am deutlichsten demonstrieren, wirken wie Ergänzungen zu einem bereits bestehenden Katalog.
Das Argument, das Castle Park leise und ohne Fanfare vorbringt, ist, dass die an Kinks angrenzende britische Gitarrenpop-Tradition genug Tiefe habe, um eine nachhaltige Untersuchung zu ermöglichen. Graham Coxon hat diese Tradition bereits untersucht, bevor Blur sie berühmt machte, und Castle Park ist die direkteste Dokumentation dieser Untersuchung, die er je erstellt hat. Es dauerte fünfzehn Jahre, bis das Album erschien. Das Warten hat sich gelohnt, nicht weil das Warten irgendetwas hinzugefügt hätte, sondern weil das, was darin war, bereits gut genug war, um das Öffnen des Tresors und das Herauslassen zu rechtfertigen.
